Культура и искусство

Выставки

  • Школа Сидлина и школа Храмовая стена (0)


    22 июня – 9 июля 2013 года

    Выставка "ШКОЛА СИДЛИНА и ШКОЛА ХРАМОВАЯ СТЕНА"

    Выставка "ШКОЛА СИДЛИНА и ШКОЛА ХРАМОВАЯ СТЕНА" посвящена деятельности творческих объединений, сложившихся вокруг двух выдающихся личностей - художника-педагога Осипа Абрамовича Сидлина (1909 - 1972) и его ученика Юрия Алексеевича Нашивочникова (р. 1922). О.А.Сидлин учился во ВХУТЕИНе в 1930 -1936 гг. у крупнейших мастеров русского классического авангарда - А.Савинова, К.Петрова-Водкина, А.Осьмеркина. С 1936 года и до самой смерти продолжалась его педагогическая деятельность. Ученики занимались в разные годы в студиях ДК им. Капранова, ДК им. Ильича и Первой Пятилетки. Занятия проводились официально, однако, студия постоянно находилась под угрозой закрытия в связи с проводившейся в те годы компанией по борьбе с "формализмом" в искусстве. "Сидлин - "подпольный человек", принявший на себя таинственную роль учителя-невидимки, властного режиссера, скрытого за кулисами, которого сравнительно мало знали, но чью организующую, направляющую, просветительскую силу непременно и с благодарностью ощущали его ученики" (М.Герман).

    В основе сидлинского метода обучения лежало изучение творческого наследия старых мастеров и освоение уроков русского живописного авангарда 1910 - 1930 - х годов. Главное, что давал ученикам О.А.Сидлин, - высокая профессиональная культура и глубокое знание законов творчества. Произведений самого учителя сохранилось немного, но работы его учеников позволяют говорить о существовании особой художественной системы, мощной школы, которая теперь уже носит название "Школы СИДЛИНА". В разные годы у О.А.Сидлина учились Ю.А.Нашивочников, А.Н.Басин, И.В.Иванов, Е.Н.Горюнов, В.И.Егоров, А.Г.Головастов, С.И.Сиверцев, В.Д.Юзько и другие.

    Ю.А.Нашивочников занимался у О.А.Сидлина в ДК им.Капранова, начиная с 1936 года и до самой смерти учителя. Регулярные встречи прервались лишь во время Великой Отечественной войны, в которой он участвовал с 1941 по 1944 год. После ранения и демобилизации Ю.А.Нашивочников вернулся в Ленинград и поступил на скульптурное отделение Академии художеств. Среди его педагогов известные мастера - В.А.Синайский, Б.Е.Каплянский, а также выдающийся скульптор А.Т.Матвеев.

    Начало формирования Школы "ХРАМОВАЯ СТЕНА" относится к 1976 году, когда при ДК им. Шелгунова была организована изостудия "Любительское объединение "Художник". Организатором и руководителем студии был Ю.А.Нашивочников, продолживший развитие основных художественных принципов "Школы СИДЛИНА". В 1992 году на основе Школы "ХРАМОВАЯ СТЕНА" была образована одноименная группа художников, в которую кроме Ю. Нашивочникова вошли Д.Маркуль, С.Московская, А.Визиряко, В.Устинский и В.Гарде. Масштабность и возвышенная чистота мысли, реализованные в монументальной и ясной пластической форме являются определяющими качествами художников Школы "ХРАМОВАЯ СТЕНА", по мнению Михаила Германа.

    Первая выставка группы состоялась в 1992 году в Сестрорецке, в галерее "Федор". С тех пор произведения художников экспонировались на различных выставках (более 50-ти): ЦВЗ "Манеж", выставки "Петербург" (1994 - 2013), Музей нонконформистского искусства ("Пушкинская - 10"), галерея "Беляево" (Москва), галерея IFA (Санкт-Петербург), галерея "Нево-граф" (Санкт-Петербург), Музеи Ф.М.Достоевского и А.Ахматовой (Санкт-Петербург), выставки на философском факультете СПб ГУ и др.


    Участники выставки "ШКОЛА СИДЛИНА и ШКОЛА ХРАМОВАЯ СТЕНА":

    Ю.Нашивочников, А.Басин, Т.Красильникова, Д.Маркуль, С.Московская, А.Визиряко, В.Гарде.



  • Выставка "Храмовой стены" во Пскове (15)


    Культ белого цвета присутствует на выставке в «Доме на Набережной»



    Работы, выполненные в белой гамме, представлены на выставке «Храмовая стена», которая открылась вчера, 28 сентября, в галерее современного искусства «Дом на Набережной» в Пскове. Как сообщает корреспондент Псковской Ленты Новостей, на открытии экспозиции художники из Санкт-Петербурга рассказали о направлении, в котором они работают, и презентовали школу «Храмовая стена».



    «Мы представляем в живописи течение духовного авангарда», - позиционировал себя и своих коллег художник Александр Визиряко, добавив, что работать в этом направлении художникам-авангардистам «завещали еще отцы-основатели русского авагарда, в частности Василий Кандинский».



    Основным лейтмотивом представленной выставки, по словам художника, стал образ «своего креста». «Все мы несем свой крест», - заметил Александр Визиряко. На афише выставки в качестве иллюстрации размещена работа другого петербургского художника Дмитрия Маркуля с одноименным названием – «Свой крест». Всего в выставке принимают участие 5 художников. В экспозицию вошли полотна кисти Александра Визиряко, Дмитрия Маркуля, Светланы Московской, Владимира Гарде. Представлено и одно произведение основателя школы «Храмовая стена» Юрия Нашивочникова – эскиз к панно большого размера «Золотой дождь».



    Отметим, концепция школы «Храмовая стена» заключается в том, чтобы с помощью художественных средств довести любой, в иных случаях даже абстрактный сюжет, до уровня храмовой росписи. Для этого художники используют разные приемы: светлую гамму; не загруженность холста, доведенную до незакрашенности значительных площадей белоснежного грунта предельно неукрывистыми колерами; проявление стены и ее картинной плоскости и другие. Идейную платформу школы «Храмовая Стена» составляют традиции школы выдающегося живописца и педагога-нонконформиста Осипа Сидлина, получившие развитие в педагогической деятельности Юрия Нашивочникова.

    В Пскове выставка будет работать в течение двух месяцев.



    Фото Елены Ковалевой

    Источник: Псковская Лента Новостей



  • Вечный поиск совершенства. Живопись Ю.А. Нашивочникова. К 90-летию художника. (0)


    В галерее "СПАС" с 21 февраля по 17 марта 2012 года проходит выставка одного из мастеров русского классического искусства Юрия Алексеевича Нашивочникова. На экспозиции представлены уникальные пейзажи 50-х - 60-х годов ХХ века из коллекции А.Л.Андрущенко.

    ВЕЧНЫЙ ПОИСК СОВЕРШЕНСТВА
    Живопись Ю.А.Нашивочникова. К 90-летию художника

    Художник Юрий Алексеевич Нашивочников – ученик одного из самых значительных и, пожалуй, самых загадочных художников ХХ века – Осипа Абрамовича Сидлина (1909 – 1972), своеобразного педагога-философа, сумевшего привить своим ученикам не только сумму приемов ремесла, но живопись как философию или, точнее, пластическую философию бытия. Будучи учеником Академии художеств О.А.Сидлин учился у таких мастеров русского классического авангарда как Александр Савинов, Кузьма Петров- Водкин, Александр Осьмеркин, Казимир Малевич. В результате О.А.Сидлин создал свою собственную серьезную Школу, в какой-то мере свой стиль. После смерти учителя Юрий Алексеевич Нашивочников собрал вокруг себя молодых художников, которые сформировали новую школу, названную им Школой «Храмовая Стена».

    Многообразные творческие поиски Ю.А.Нашивочникова и художников Школы «Храмовая Стена» представляют собой в некотором смысле лабораторию новейшей эстетики, в которой разрабатываются теория и практические основы современного изобразительного искусства, особое внимание уделяется монументальному изобразительному искусству, изучаются общие законы гармонии в разных направлениях искусства. Художники Школы «Храмовая Стена» совместно с представителями петербургской философии организовали несколько выставок, которые проходили на философском факультете СПб ГУ и в галерее IFA при поддержке «Союза Искусств» Санкт-Петербурга в 2007 – 2010 годах, и сопровождались философскими конференциями и беседами.

    Настоящая выставка посвящена 90-летию Юрия Алексеевича Нашивочникова – удивительного мастера, неустанно ведущего «Вечный поиск совершенства» во многих направлениях современного изобразительного искусства.

    Куратор выставки, художник Школы «Храмовая Стена» -  Светлана Московская

    Санкт-Петербург

    26.12.2011









  • Юрий Нашивочников: "Гений русского авангарда" (0)


    Музей нонконформистского искусства, 14 января — 5 февраля 2012 Санкт-Петербург, ул. Пушкинская, 10

    К юбилею Юрия Алексеевича Нашивочникова в Музее Нонконформистского Искусства открылась персональная выставка «Гений русского авангарда», на которой представлены живописные работы 1968–1976 годов и фильмы, посвященные творчеству мастера. В рамках выставки пройдет цикл лекций Ю. А. Нашивочникова «О беспредметных и предметных произведениях изобразительного искусства».

    Юрий Алексеевич Нашивочников — художник, музыкант, педагог, прошел не только школу выдающегося живописца О. А. Сидлина (1936–1972), но и школу скульптора А. Т. Матвеева, когда учился в 1945–1951 в институте им. Репина на скульптурном факультете.

    Благодаря своим учителям, стоящим у истоков русского авангарда, Ю. А. Нашивочников «унаследовал способность к созданию полотен, где царствует светлая ясность мысли, где кажущийся сначала приглушенным цвет сгущен до взрывной, грозной силы, где царственный композиционный покой странно сочетается с этим подспудным напряжением, “гудением холста”, с той окончательностью художественного процесса, когда, говоря словами де Сент-Экзюпери, от произведения уже нечего больше отнять» (Михаил Герман).

    Одним из ярких талантов Юрия Алексеевича является педагогический. Он не только разработал уникальные и в то же время простые приемы рисования, аналогов которым не существует, но и из каждого своего ученика воспитывает настоящего художника. В 1976 в ДК им. Шелгунова Ю. Нашивочников возглавил студию «Любительское объединение “Художник”», состоящую, в том числе и из слепых учеников. Из них он сформировал группу «По», в честь слепого московского скульптора Лины По. По сей день Юрий Алексеевич не прекращает учительской миссии. Лучшим подтверждением его неподдельной любви к людям и искусству служит основанная им Школа «Храмовая Стена», в которой, по словам самого Ю. А. Нашивочникова, «главный акцент внимания зрителей направляется произведением на белоснежный блок храмовой стены».

    Источник: nonmuseum.ru







  • Встречи с французским радио-журналистом Аленом Роком (0)


    В июле 2011 года в Санкт-Петербурге состоялись встречи представителей "Союза Искусств" - президента Лидии Азаровой, вице-президента Светланы Московской, а также сотрудника Института международных связей при Российском государственном педагогическом университете им.А.И.Герцена Вячеславом Мосоловым с французским радио-журналистом Аленом Роком. Мы надеемся, что эти встречи послужат началом многолетней международной творческой программы, включающей открытый диалог, встречи, дискуссии, обмен опытом, проведение мастер-классов, в которых примут участие представители культуры России и Франции. Ален Рок является инициатором данного проекта. Продолжая и развивая традиции русской культуры и философии, Ален Рок считает, что преобразить настоящую действительность может только подлинное вдохновенное искусство. Поэтому в проекте, который начинает формироваться в настоящее время, примут участие не только художники, но и философы, преставители образования. Ален Рок надеется, что данный проект послужит возрождением и укреплением традиционных глубоких, творческих взаимодействий культур России и Франции.

    Светлана Московская - Вице-президент "Союза Искусств"

    15.07.2011, Санкт-Петербург



    Вячеслав Мосолов и Ален Рок.


    Ален Рок, Владимир Петров и Лидия Аларова в мастерской Л.Азаровой.

    Мы рады сообщить, что специально для нашего сайта "Пульс Времен" французский журналист Ален Рок написал статью, в которой он размышляет о состоянии современной культуры и искусства, о перспективах развития искусства.

    To be, or not to be… an artist…

    Every single human being was born, I believe, with the ability to develop artistic skills, just like developing linguistic abilities, since art is a language, and should I add right away that it is the only form of language that has succeded in escaping the punishment of the Tower of Babel ; Art is the most powerful universal communication tool in time and space. Art combines acquiring the techniques and codes of expressing oneself with the everlasting creative powers of the human mind. Then, as the building process of personality evolves through the years, so do the artistic abilities, provided that one gives them the possibilities to grow, mature and expand. It is in my opinion as important to « open » the doors of the artistic universe to the young child than any other field of knowledge, so that he/she is able to make a choice for a form of expression to match his/her specific tastes and possibilities. It is a matter of psychological balance.

    Nevertheless, art education is very often deglected, since considered as « non productive ». Most western educational systems regard it only as a « side dish », and reduced to voluntary, non obligatory options that are never taken into account for cursus progression. The social codes aren’t « planned » for such free expressions of the mind. Moreover, the process of creation is one of the few to escape rational analysis, and thus leaves the occidental « Descartes »-like pattern very puzzled… And since what is ill understood is often rejected – for comfort… It’s an easy way to flee and avoid embarrasing questioning-.

    Now, choosing to « be an artist » is more than a choice for life. It is an urge, a deep call. It is also a manifesto ! Choosing Art requires to be brave and strong, since social codes usually regard artists « against » the rest. Nevertheless, being an artist does not certainly means being out of the mechanisms of society. He/she may be on the edge of it, but when you are on the edge… Aren’t you in already ? And you determine yourself by comparing with those social codes, so you are dependent on those streams of social codes that you are determined by.

    Moreover, when it comes to the « contribution » of the artist to the society, he/she does not create goods and wealth or benefits, but produces sense and meaning, understanding, and « mind raising propositions »… Those invitations that are not necessarily welcome to uncover. They are disturbing, because they can’t possibly obey rules and regulations. Art is virtually the only untamable part of the individual, and there lies one of the major strengths of artistic creation ; whatever the time, the political regimes, art has always been the first expression of free human thinking all political or religious powers have tried to reduce to silence, strangle and even destroy; there are quite a few examples in history… But fortunately, no matter how much energy was devoted for such lethal attempts, the result was mere destruction of artistic artefacts, not the destruction of the creative mind… Sometimes, It may have taken time to be brought back to full light, but Art, like the Phoenix, has always revived, and even thrived through the tortures of History.

    Can Art be perverted by commercial considerations ? Yes, of course, and art has even become an alibi for merchantile communication or business oriented productions labeled as « art ». And the border between pure expression of an art and commercial considerations is no new thing ; it is only more obvious today than it was in the past. Lots of genius were « sponsored » by powerful people, nobles, or sovereigns. And no one seems to find it awkward or unacceptable.

    Now, up to what point is it acceptable is another questionable matter, and the line between « yes » and « no » depends largely on multiple interactions between the artist himself/herself and his/her patron, the amount of freedom in creation, and the possible pressure on the orientation of a creative process. But taking it a little deeper, creation is undoubtly already at a meeting point of cultural, social, historical, political, religious, mystical, emotional… and so many more « pressures ». It is a positive expression, a result of these pressures.

    Now, whichever interactions take place and interfere in the creative process, art is, or should be regarded as a reflection of its time, mirroring the era with its good and evil traits, ans as such, it is a concentrate of influencial strams in society itself. It will take a very close study to unweave the many-sided art expressions in our times… Influences are so diverse and versatile. In the second half of the XXth century, the western world has been focused on the « american dream » and lots of artists were more or less consciously inspired by the north american « myth » - whether in its favor, or against it-. But in fact, one must admit that an important part of creation was referring directly or not to that central pivot. And there you realize it was largely due to the political dichotomy of our post world war II era. But lots of events have occurred since then, in the late days of the former century, and the balance is shifting. We are now facing new challenges, and still looking for a new balance. So does art ; rediscovering the once forbidden, or rejected influences, art is now in a mood not to leave any stone unturned. There is a « global » approach to artistic creation encompassing influences from all over the world. And that’s one of the major achievements of globalization… The melting pot effect suits very well to art and creation. There is an obvious interbreeding process in most areas of modern artistic creation, that everyone should regard as a tremendous and extremely powerful energetic opportunity. Far from being destructive for « native » cultures, this new step forward digs its essence and roots deep in tradition and folks’ culture, bringing it to a higher stage of achievement and recognition.

    As for the particular intimate even « carnal » relations between french and russian artisitic circles, history has proved more than once that, even if influencial, political differences or government opposition were only small fry as compared to the powerful stream of attraction between these two passionate nations; it has almost always demonstrated that those relations could even intertwine and grow with grace. Despite a gap of too silent decades in the relations, there is still a strong will to walk in the tracks of the forefathers who have first built that peculiar relationship, especially, it seems, on the russian side… But aren’t we still looking for a new Diaghilev to impulse a faster pace to this new re-born passion?... France on its side was driven towards a more forgetful behaviour while absorbed by anglo-american trends, to a point that one could fear that the french creative spirit could sell its mind to the sweet singing mermaids of the aftermath from the shaking sixties… Those were certainly absolutely necessary, and an essential leap forward, breaking the rules of a heavily polished, over regulated, well organized and coded social organization with few, if any, fancy side, and extravagance.

    Those times have gone… After bouncing here and there, the energetic sixties slowly melted into a faded self imitation of themselves. It took some years to « filter » and purify the cross-influences and gain back a genuine new and fresh creation trend from that melting pot. Nowadays, it seems to me there are still lots of remains of that cultural colonization, but that should not be rejected point blank. Now, whichever influences have driven to the creation of a piece of art, I see two main ways of considering it : one is from an « anthropological point of view, putting it in a perspective and decoding it in a scientific way ; another one is merely to enjoy it for its intrinsic qualities of beauty, perfection, achievement, just an hedonistic viewpoint that leaves total freedom. Then, artworks live a life of their own ; and those two different approaches are not contradictory. One is analytic, the other is synthetic. Let everyone choose his/her way to art ; the essential of it is that art finds its place in every man’s heart and soul. That’s how I feel deeply… In my heart and soul.

    Alain Roques



  • Оттилия Грубер. Перспектива в акриле, очарование контраста. (14)


    «Оттилия Грубер родилась в 1962 году на Урале в городе Краснокамске (СССР). В 1976 году с родителями – немцами переехала в город Ульм (ФРГ). Закончила берлинский университет (факультет архитектуры) и там же, в Берлине, работала в качестве архитектора. В 1999 году преехала в город Ульм к своим родителям. В городе Ульме Оттилия Грубер создала свою собственную частную художественную школу, руководит которой в настоящее время и преподает изобразительное искусство ученикам разных возрастов: от 4-5 летних детей до взрослых 70-80 лет. Одновременно О.Грубер является руководителем и инициатором различных проектов по оформлению города Ульма. Выставляется в Германии и других странах. Оттилия идет своим путем: её талант, интеллект и интуиция – рождают прекрасные произведения. О. Грубер работает в разных живописных и графических техниках: масло, акрил, акварель, пастель. В её ателье есть очень много интересных работ, которых ещё не видела ни одна душа..., порой я имею возможность заглянуть в её «тайники»... И, поверьте, - это очень красивый, красочный и таинственный мир... Я стараюсь также рисовать как она, беру у неё уроки. И когда у меня ничего не получается, она берет кисточку из моих рук и несколькими штрихами поправляет.... И вдруг, картина оживает и становится ярче, понятней, и просто чудом... Мы, ученики, её очень любим!»

        Ученица Оттилии Грубер - Оттилия Зенгер
        Ульм. Германия

    «Оттилию Грубер, для меня – Оленьку, я знаю уже более 25 лет. Это – очень талантливый и прекрасной души Человек! Но, уж чересчур скромная и застенчивая... С её способностями можно было бы далеко пойти, но – она не любит «суеты» и «выделения»... Возможно, это и хорошо, - душа у неё чистая и незамутненная современным общественным сознанием и потребительскими интересами... И ДАЙ БОГ ЕЙ И ДАЛЬШЕ ОСТАВАТЬСЯ ТАКОЙ ЖЕ КАК ЕСТЬ!!! УДАЧИ ТЕБЕ - ОЛЕНЬКА!»

        Режиссер, кинооператор, фотограф - Валерий Пятинин ( род. в 1947 г.)
        Санкт-Петербург. Россия

    Отзыв художника Виктора Курляндского о творчестве Оттилии Грубер



  • Живописная плоскость Анатолия Басина (44)


    Я существую - меня мыслит мною выстраиваемое: следуя прихотям живописной плоскости, я существую ею соответственно себе, напряжением ее, тем самым становясь автором собственного мира. Постоянная тема моей плоскости - линия, цвет, пятно, их ритм соответственно ее прихотям. Картина захватывает зрителя. Родное ему он достраивает сам.

    Настроить напряжение плоскости колерами и есть живопись. Под невнятное звучание тона собственной природы - внятными линией-цветом-пятном.

    Выстроив живописной плоскостью "Палитру Делакруа", тем обозначив себя на данный момент, прекратить активную деятельность.

    "Палитра Делакруа" - лишь то, что ИША для выявления таланта.

    "Палитра Делакруа" художника - не в будущем, а в прошлом, а для зрителя она - в настоящем. Художник - лишь настройщик звучания живописной плоскости, а разыграть ею себя, звуча собою - шанс зрителя.

    Она принадлежит зрителю, а он - ей, что - библейски - "Песнь Песней": созвучный этой живописной плоскости зритель проигрывает себя, "видя звучание", тем выявляя собственное личностное.

    Художник, предлагая вниманию зрителя свое произведение, проявляет себя как личность, а зритель уподобляется-домэ автору -- Адам-человеком (Домэ и адам - слова однокоренные).

    В результате как бы происходит - по аналогии с "Песней Песни" - соотнесение роли Творца и художника.

    (Из книги "Художники об искусстве. Анатолий Басин, Рашид Доминов, Валерий Родченко, Николай Теплый." - СПб.: ЗАО "Полиграфическое предприятие 3", - 2009. -96 с.)

    Живопись Анатолия Басина

    "Зов тёмных глубин"

    Есть художественное творчество, в котором прямо и непосредственно изображаются реалии внешнего мира. Свои мысли, чувства и взгляды автор произведения выражает посредством темы, сюжета, изображением реальных ситуаций, как это свойственно художественной прозе в литературе.

    Но есть и художественное творчество (ярким примером которого, несомненно, является живопись Анатолия Басина), непосредственно выражающее внутренние состояния, мысли и чувства автора. Реалии же в таких картинах изображаются символически, являются изобразительными метафорами, иероглифами, знаками внутреннего мира автора, имеют психологический смысл, как это свойственно лирической поэзии. Порой это создаёт трудности для восприятия таких произведений зрителями, которым более привычно видеть в картинах хорошо узнавемые образы внешнего мира, а не «иероглифическое» или абстрактное, живописно-пластическое изображение «психологической субстанции». Этот способ изображения может вызывать непонимание или даже восприниматься, как неумние или нежелание автора правильно изображать реальность. Чтобы воспринимать такие работы, необходимо вчувствование - эмпатия, вхождение в резонанс с психологическими состояниями (как это происходит при чтении поэтического произведения или слушании музыки), выражаемыми непосредственно линиями, цветовыми пятнами, мазками кисти, колоритом и композицией. Также необходимо понимать смысл «иероглифов» «изобразительного текста» картины.

    Анатолий Басин – художник «глубинной психологии». Его редкие изобразительные «экскурсы» во внешний мир – городского пространства, интерьеров, предметов – ещё больше подчёркивают творческую углублённость художника в мир внутренний. В этих работах чувствуется некая подспудная энергия «магмы», готовой, кажется, «излиться» из глубины. Она создаёт психологическое напряжение в изобразительном пространстве картины. Но, всё-таки, главной и основной темой произведений Анатолия Басина является аллегорическое повествование, если рассматривать совокупность большинства его работ как единое произведение. Это миф о душе-Аниме, составной части внутреннего мира человека, олицетворяемой в его работах женскими фигурами. Они изображаются на фоне пространств, которые, строго говоря, нельзя назвать фоном, так как эти подвижные, «дышащие» живописные массы являются «героями» картин, как и женские персонажи. Фигуры женщин – бесплотные, состоящие из лишь слегка намеченных зыбких контуров, слиты с окружающим их пространством, составляют с ним одно нераздельное целое.

    Суть мистерии - действия, происходящего в пространстве картин художника, – это драматические взаимоотношения души-Анимы и тёмных глубин, воплощающих непостижимое Бессознательное, оказывающих на душу таинственное магическое влияние. Душа мечется и разрывается – устремляется мечтами вверх, к горнему миру, или, уступая зову Бессознательного, погружается в хаотический «раскалённый» и «леденящий» мир страстей, в «кипящую» тьму. Золотистый фон, вспышки ослепительно-синего цвета на некоторых картинах, голубая мгла, окутывающая фигуры женщин, музицирующих на струнных инструментах, - как отблеск неба, как весть свыше, проникшая во тьму. Исполняемая ими мелодия - ностальгические мечты души о светлых мирах, об избавлении от гипнотических чар Бессознательного - пространства мрака.

    Художник, используя сочетания контрастных и взаимодополнительных цветов, малонасыщенные или тёмные цвета фона, заставляет вибрировать в едином ритме цветовые массы, линии рисунка, приводя всё к общей гармонии.

     

    Художник Виктор Курляндский

    Санкт-Петербург, 2011 год



  • Exposition d’œuvres de Hartmut von Altrock (1)


    La France en Russie

    Exposition d’œuvres de Hartmut von Altrock

    Russie, Saint-Petersbourg
    Art contemporain

    11 septembre au 10 octobre 2010
    Saint-Pétersbourg, Musée d’Art Non-Conformiste – Art Center

    Exposition d’œuvres du peintre Hartmut von Altrock – 49 œuvres graphiques depuis 1953

    Jusqu’à 2010 – création des œuvres : Paris – Berlin – Auvergne. en complément un film DVD de 100 minutes présentera quelque deux cents toiles créées en France et sera montré en continu. Œuvres exposées : gouaches parisiennes, dessins, gravures, eaux-fortes en couleurs,

    Gravures sur cuivre au burin, sérigraphies, affiches, aquatintes.

    Une master-class ainsi que des tables-rondes et interviews sont au programme.

    Musée d’Art Non-Conformiste – Art Center
    Pushkinskaïa 10, Office 403
    Saint-Petersbourg 191 040
    Tél : 7 812 764 48 52
    Fax : 78127644852
    Site : www.pushkinskaja-10.spb.ru



  • Хартмут фон Альтрок. Гравюра, цветная акватинта, трафаретная печать, афиши. (21)


    Сердечно благодарим французского художника Хартмута фон Альтрока за любезно предоставленную им возможность в рамках нашего международного интернет-проекта (Пульс Времен) представить выставку его работ.

    Приятно отметить, что это событие совпало с празднованием Года России-Франции 2010 и продолжает традиции культурных обменов между нашими государствами.

    Биография художника

    Художник Хартмут фон Альтрок родился в Германии (Бреслау) в 1931 г. В 1958 г. в Берлине получает диплом архитектора. После окончания учебы увлекается живописью. Путешествуя по Франции и Италии осваивает различные живописные техники в художественных мастерских. В 1982 г. окончательно переезжает во Францию (Овернь), получает французское гражданство и продолжает заниматься искусством.

    Основные персональные выставки

    Германия: Берлин, Мюнхен, Любек, Кёльн, Гамбург, Ганновер, Бронсверк, Колонь, Штутгарт, Тюбинген, Бонн, Дюссельдорф, Бремен, Карлсрюэ.

    Италия: Рим.

    США: Нью-Йорк.

    Голландия: Амстердам.

    Франция: Париж, Клермон-Ферран, замок ле Валь.

    Россия: Санкт-Петербург.

    Участник многих коллективных выставок.

    Отзыв о выставке художника Виктора Курляндского

    Отзывы посетителей выставки французского художника Хартмута фон Альтрока в Санкт-Петербурге 12 сентября - 12 октября 2010 года в Музее нонконформистского искусства на Пушкинской, 10

    Отзыв Л.М.Мосоловой о выставке Хартмута фон Альтрока



  • Светлана Московская. Индийские миниатюры. (15)




  • Лидия Азарова. Графика. (16)


    Президент "Союза Искусств" архитектор, художник, член "Союза художников" России с 1991 года. Персональные выставки проходили в Великобритании, Польше, США, России. Организатор и непосредственный участник крупных художественных акций, включающих изобразительное искусство, музыку, пластику: "Цветы и дети" (Великобритания), "Посвящение скрипке" (Польша), "Образы Индии в творчестве художников Санкт-Петербурга" (Россия), "Музыка в изобразительном искусстве' (Россия). "К 400-летию первой шекспировской постановки "Гамлета" (Россия), "Тибет" (Санкт-Петербург), Фестиваль латино-американских стран в Санкт-Петербурге, "Дни Кубы в Санкт-Петербурге. Работы Л. Азаровой хранятся в музеях и частных коллекциях России, США, Канады, Германии, Польши, Англии, Китая.

  • Дмитрий Маркуль. ЖИВОПИСЬ. (32)


    Группа "Храмовая стена" сформировалась к 1992 г. Основатель группы художник Ю.А. Нашивочников, ученик и исслсдователь О.А. Сидлина и Л.Т. Матвеева.
    Концепция группы заключается в поисках путей развития современного искусства. Для этой цели члены группы стремятся к использованию знаний и достижений искусства Древних.
    В рамках этой концепции каждый участник группы "Храмовая Стена" ищет свой путь в искусстве, сохраняя и развивая свою индивидуальность.
    Дмитрий Маркуль определил свой путь в искусстве, найдя вдохновение в древнерусских фресках. С удивлением и радостью обнаружил заложенные там ответы на многочисленные вопросы поднимаемые современным искусством о внутренней и внешней гармонии и единении Человека с Природой.


  • Скульптура Юрия Нашивочникова (34)


    Родился в 1922 году 28 января в городе Павловске, Воронежской области.
    1934 - 1937 гг. год занимался в Доме ХВД г. Ленинграда у художника Е. П. Лужковского.
    1936 - 1972 гг. занимался в изостудии при ДК им. Капранова у художника О. А. Сидлина.
    1941 - 1944 гг. Участник В.О.В.
    1944 - 1945 гг. студент 1 курса Московского института прикладного и декоративного искусства.
    1951 году окончил институт им. Репина по специальности художник - скульптор. Дипломная работа: "Пятницкий с Аринушкой". Среди педагогов, у которых учился, были В. А. Синайский, А.Т. Матвеев, Б.Е. Каплянский. С третьего курса занимался в мастерской А.Т. Матвеева, в которую был отобран по конкурсу.
    1951 - 1961 гг. на творческой работе в ЛОСХе, секции скульптура.
    1961 - 1965 гг. преподаватель кафедры рисунка, живописи и скульптуры в ЛИСИ.
    1961 - 1976 гг. на общественных началах педагог изокружка в школе - интернате слепых детей.
    1965 - 1977 гг. старший преподаватель и старший научный сотрудник Ленинградского педагогического института им. Герцена на кафедре тифлопедагогики.
    1976 - 1992 гг. педагог изостудии "Любительское объединение "Художник" при ДК им Шелгунова. Изостудия состояла из слепых и зрячих учеников.
    1978 г окончил курсы подготовки экскурсоводов, написал тексты экскурсий на темы "Деревянное зодчество русского Севера", "Старая и Новая Ладога".
    1978 -1981 гг. Проводил экскурсии по этим темам.
    1987 - 1995 гг. директор творческой организации "Школа Сидлина" и художественный руководитель галереи "Школа Сидлина" при ассоциации "Союзстройсервис".
    Из своих полностью слепых учеников сформировал группу "По", названной в честь слепого московского скульптора Лиины По, работавшей в 30 - 40 годы. Первая выставка работ этой группы экспонировалась в Музее истории Ленинграда с 1 июня по 1июля 1990 года. Вторая выставка проходила в Музее института им. И.Е.Репина в октябре 1991 года, а затем в галерее "Школа Сидлина" и других местах.
    1992 год. К этому времени из моих учеников сформировалась группа художников под названием "Храмовая Стена". Рождение группы официально произошло на 1-ой выставке в галереи "Федор" г. Сестрорецка в 1992 г.
    2004 год. В этом году мною была сформирована Школа "Космическая гармония". Работы двух ее художников экспонировались в ЦВЗ "Манеж" на выставке "Петербург 2004".
    Если подытожить весь мой творческий путь, то в нем хотя и проглядывают четыре периода: период Школы Сидлина, период Школы "Храмовая Стена", период "Символики", период Школы Космическая Гармония, но это творчество, которому нет конца, к тому же периоды не заменяют друг друга, а дополняют каждый каждого в своей взаимосвязи.


  • Живопись Василия Юзько (40)


    Василий Дмитриевич Юзько (родился в 1938 году в селе Цибулевка Винницкой области) - один из самых ярких и талантливых учеников Осипа Сидлина.

    "В настоящее время Василий Юзько все больше приближается в своем творчестве к настенной (храмовой) фреске, поднимаясь порой до божественной одухотворенности в своих произведениях. Его картины как всегда, в повышенной декоративности доведены в обобщении до основных цветовых отношений и исключают детали, а широта видения рождает цельность произведения. Могучая, к тому же до предела упрощенная, конструкция монументальной композиции не зыблима в своей монолитной крепости и устойчивости. Обладая к тому же еще и "аболютным слухом" на цвет и его гармоническую слаженность, он свои работы выполняет за один сеанс: легко, непринужденно, раскованно, не трогая вторично того, что уже положено на холст. Искренность и свобода индивидуальности у него превыше всего. И создается впечатление, что это не он создает. а внезапный порыв ветра, вдруг подхвативший кисти, скользнул ими случайно по холсту". Так характеризует своего соученика по школе Сидлина Юрий Нашивочников, основатель школы Храмовая Стена.



  • Глиняная игрушка (21)


    Ираида Мартынова, - художница из поселка Мга Ленинградской области, многие годы работала в археологических экспедициях в южных регионах России. Глиняная игрушка - одно из любимых направлений творчества Ираиды.

    "Я рабою с глиной с детских лет, когда игра переходит в увлечение, а затем в необходимость утвердить творческие устремления во что-то более серьезное в зрелом возрасте. Кембрийская глина - благодатный материал, раскрывающий свои тайны человеку, работающему увлеченно и с любовью..."



  • Симфония цвета (14)


    Вы имеете уникальную возможность соприкоснуться с творчеством киргизской художницы Жылдыз Орузбаевой (Асангали). Наполненные чувством радости и музыкальности ее работы удивляют своей необычностью и ощущением свободного полета над бесконечными пространствами цветущей земли. Земля поет. Фиолетовая, розовая, золотая симфония. Фиолетовая зыбкость ночи и раскрывающийся золотой цветок ликования полдня. Развивающийся, плывущий ритм планеты, пульс времени звучит на холстах Асангали. В Санкт-Петербурге, в голубой гостиной Союза Художников с 1-го по 15-е июня 2006 года состоялась выставка Жылдыз Орузбаевой. Ее работы излучают позитивную, солнечную энергию. Особенно в нашу питерскую непогодь это просто здорово.


  •